Archivo de la categoría: MUSICA

José Larralde

No venga a tasarme el campo
con ojos de forastero
porque no es como aparenta
sino como yo lo siento.
Yo soy cardo de estos llanos
totoral de esos esteros
piedra mora de mis cerros
y no va a creer si le digo
que hace poco lo comprendo.
Debajo de ese arbolito
suelo amarguear en silencio
si habré lavado cebaduras
pa’ intimar y conocerlo.
No da leña ni pa’ un frío
no da flor ni pa’ remedio,
y es un pañuelo de luto
la sombra en que me guarezco.
No tiene un pájaro amigo
pero pa’ mi es compañero.
Pa’ que mentar mi tapera, velay
velay, si se está cayendo,
le han rigoreau los agostos
de una ponchada de invierno.
La vi, la vi quedarse vacía,
la vi… la vi poblarse ‘ recuerdos,
sólo por no abandonarme
le hace pata ancha a los vientos
y con gotera de luna viene a estrellar mi desvelo.
Mi canto conserva cosas
guardadas en su silencio,
que yo gane campo afuera
que yo perdí tiempo adentro.
No venga a tasarme el campo
con ojos de forastero,
porque no es como aparenta, sino,
como yo siento.
Su cinto no tiene plata…
ni pa’ pagar mis recuerdos.

Fotos tomadas de este enlace: http://www.lastfm.es/music/Jos%C3%A9+Larralde/+images

http://www.donjoselarralde.com.ar/jl/

Discografía Oficial de Jose Larralde

CANTA JOSÉ LARRALDE (1967) editado en CD & LP

PERMISO (1968) editado en CD & LP

El sentir de Jose Larralde (1968) editado en LP y CD

HOMBRE (1969) editado en CD & LP

PA QUE DENTRE (1969) editado en CD & LP

EL SENTIR DE JOSE LARRALDE (segunda parte) (1969)

AMIGO (1970) editado en LP y en CD (2005)

SANTOS VEGA – MILONGA DE TIRO LARGO – 1970

CIMARRON Y TABACO (1971)

CIMBREANDO (1972)

SIMPLEMENTE – 1973

MACOLLANDO (1973)

DEL CORAZON PA DENTRO (1974) editado en CD & LP

Y UN PORQUE SIN FINAL (1975)

DE HABLARLE A LA SOLEDAD – 1976

AL TRANCO MANSO NOMAS – 1977

SI YO ELEGI MI DESTINO – 1978

DESDE LEJOS – 1979

DEL SUR PA ALLÁ -1980

AMANSANDO SOLEDADES – 1981

UN VIENTO DE AQUEL LAO – 1982

HABLANDO EN CRIOLLO – 1983

VIENTO ARRIBA – 1984

EL ALEGRE CANTO DE LOS PÁJAROS TRISTES – 1986 

COMO QUIEN MIRA UNA ESPERA – 1995

TRAYENDO AYERES VOL I – 1996

TRAYENDO AYERES VOL II – 1996

A LAS 11 – 1/4 – 1999

BIOGRAFIA

José Teodoro Larralde (HuanguelénProvincia de Buenos AiresArgentina22 de octubrede 1937) es un cantautor argentino de música folclórica.

Descendiente de árabes y de vascos, desde muy pequeño, a la pronta edad de 7 años, comenzaría a escribir esos versos de contenido crítico que, a lo largo de su vida, hablarán de oficios, situaciones y personajes que se cruzaron en su camino.

Además de dedicarse a la composición y al canto realizó trabajos de albañil, de mecánico,trabajador rural, tractorista y soldador, y prosiguió trabajando mientras realizó sus primeras grabaciones.

Su irrupción fue fulminante, y mucho tuvo que ver con ello el famoso cantor Jorge Cafrune. Dedicado Larralde a su quehacer artístico, en su pueblo natal, anhelaba conocerlo y, sabiendo que su vecino José Dip tenía trato con él, frecuentemente le pedía que se lo presentara. Una noche de 1966, encontrándose en un asado en casa de su tío Eduardo Saad, José Dip le cumple el deseo tan anhelado, y es así como Larralde le hace conocer a Cafrune algunos temas de su autoría. La aceptación fue inmediata: después de oírlo cantar, Cafrune le pidió a José Dip que al día siguiente llamara a Hernán Figueroa Reyes, director de grabaciones de CBS, porque deseaba incluir algunos temas de los escuchados en su disco en preparación, a la postre editado en 1967, titulado “Jorge Cafrune”. Es de esta forma que, pese a algunos contratiempos, “Permiso” y “Sin pique” finalmente estuvieron presentes en el LP.

Cafrune volvió a Huanguelén al poco tiempo, ya que tenía que actuar en Girodías, que se encuentra a escasos kilómetros de allí. En esa oportunidad invitó a José Larralde para que lo acompañara. Cafrune interpretó 3 temas y luego presentó a Larralde, quien a partir de ahí se hizo dueño del escenario, con la anuencia de Cafrune, y cantó varios temas, entre ellos “Herencia pa’ un hijo gaucho”, la cual llegó a oídos de los directivos de la compañía discográfica RCA, que al poco tiempo decidió contratarlo.

En 1967, José Larralde grabó el primero de veintiocho discos editados en la Argentina, sin contar reediciones y compilados.

José Larralde 1970.

Larralde ha encontrado el modo de hacerse conocer, a pesar de que siempre ha huido de promociones y concentraciones masivas; su canto trasciende fronteras para llegar al corazón de países como Alemania,AustraliaMéxicoBrasilColombiaVenezuelaUruguayParaguayChile y España entre otros.

Larralde dice sus verdades con su música popular de raíz folclórica, cantando contra todo tipo de lo que él considera injusticias y desigualdades.

http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Larralde

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HUGO GIMÉNEZ AGÜERO ´- El cantor de la Patagonia

Un pequeñito homenaje a un hombre grande de La Patagonia Argentina

” QUÉ BELLO ES SABER QUE HAY SERES QUE ESCUCHAN A LOS PÁJAROS DEL MUNDO QUE SE LES DÁ POR CANTAR”

HUGO GIMÉNEZ AGÜERO 

 

HUGO GIMENEZ AGÜERO
PATAGONIA , UN GRITO ESPERANZADO 

Con el rastro seguido del vuelo de kaikenes, Hugo Giménez Agüero testimonia a través de sus canciones la realidad de la dilatada y riquísima geografía patagónica donde se mezclan los sueños de semillas esparcidas en el viento con el silencio de los chenques, las laderas teñidas por los bosques de lengas y ñires.  Cantor de chorrilleras, kaanis, milongas andinas. Autor de canciones como Mahuida –Llú, Malambo blanco, Huahuais, Ahoniken, Cacique Yatel, Chalten, Por el tucu-tucu, Rinahuel, y tantas otras que comparten la perseverancia de su autor para hacer conocer la Patagonia en general y la provincia de Santa Cruz en particular.

-¿Cuando nació tu vocación?

-Hace 62 años con  una canción y una guitarra bajo el brazo.  Porque en mi casa se cantaba todos los géneros, y a partir de ahí más que un nacimiento fue un parto tratar de expresar esa música tan lejana como la de la patagonia.  En mis manos cayó la idea de hacerle una canción para una región  que no tenía muchos espejos históricos en donde ver a flor de tierra.  La búsqueda tenía que ser en las profundidades de cada pueblo y en cada habitante.  Solo a partir de eso se puede tratar o tener la intención de marcar un hito en la historia musical argentina, incluyendo a un territorio que está literalmente olvidado como lo es la Patagonia.

-Vos no sos patagónico.

-Lo soy por adopción.  Nací en Balcarce, mirando al sur, de cara a esa ruta 3 que siempre me gustó seguir, hasta que me pude aquerenciar definitivamente en Santa Cruz.  Solo entonces nace Hugo Giménez Agüero musical y profesionalmente hablando, a través de sus obras y grabaciones. Son muchos años y parecen muchos más porque debí hacer el doble de esfuerzo y trabajo, pese al gran empeño que siempre pongo no fue fácil.

-¿El autor y el compositor comienzan juntos?

-No. Yo nunca tuve pretensiones de ser cantante.  Pero al empezar a componer obras para la Patagonia con sus ritmos propios, aparece la incomprensión de mis pares acostumbrados a cantar solo música del norte de nuestro país.  No querían cantar mis temas porque no pertenecían a la música comercial, esa del latiguillo que había sido éxito en otras voces.  En esas épocas fue muy difícil dedicarse a componer una canción y que algún artista la quisiera cantar.  A tal punto que un día dije “-Bueno, voy a tener que cantar yo mismo esta canción”– Así nació Hugo Giménez Agüero como cantante.  A la fuerza.

-En el año 82  te presentas en Cosquín, ganas el premio Consagración.  A partir de allí todos los años pasas por su escenario.

-Es verdad, pero se difunde poco. Tantos años en el escenario, canto las nueve lunas.  No muchos lo han logrado.  Aunque siempre paso por la misma incertidumbre  de pensar ¿Estaremos? ¿No estaremos? Y al final siempre estoy, 24 años no es un  día realizando un gran esfuerzo para difundir kaanis o chorrilleras.

-¿En que ritmo te encontrás mas cómodo?

-En el kaani, sin dudas.  Es un ritmo que lleva siempre a la letra de un revisionismo histórico. En estos últimos tiempos estoy componiendo canciones con el ritmo de kaani que no habla del indio sino de la situación actual.  Suena raro porque siempre ha sido cantado en la lengua tehuelche o con reminiscencias del tehuelche, en cambio la chorrillera es más melodiosa, más agradable al oído, por su dulzura y cadencia me deja incursionar en el amor.

-¿Cuando empieza a trascender tu obra?

-Cuando hice mi primera producción, de la cual la primera compradora fue mi mamá, después mis hermanos, pero en una semana vendí todos los discos.  A partir del 80, las radios empezaron a recibir mis discos grandes ensobrados, forrados con diarios para que no se rompan. Después de 2 años empecé a sentirme conocido, y recién después de 4 años comencé a trascender.  Hoy sigo trabajando como el primer día, aunque por ahí me llamen de Japón o Ecuador para comprar un material discográfico.

-Tenés dos festivales que llevan tu nombre.

– Sí, aunque no es muy difundido uno es en Sierra Grande y el otro en Río Gallegos, además de ser padrino de  “Canto del Sur” en Caleta Olivia. Todo un honor y un compromiso para seguir andando.

Siempre se llega cuando el corazón va adelante…

-Solo los sueños nos mantienen con el corazón en vilo, como el de mantener en  alto el estandarte musical de nuestra tierra, cosa que hago diariamente. Yo creo que cuando abrimos los ojos hay una nota musical en nuestro corazón y cuando miramos nuestro paisaje nos envolvemos de tal forma para llevarles a los paisanos este amor por Argentina que nunca se fue perdiendo.

-Ese es el estandarte que debemos mantener todos los componentes de esta sociedad.

-Yo digo que el poeta tiene la particularidad de no ser diferente a los demás sino de adelantarse en el tiempo.En eso se parece a las aves, no porque canten sino porque son ellos los que perciben el trueno, los desastres, y uno va percibiendo las actitudes, algunas alegres y muchas nefastas del hombre. A través de su obra tiene que hacer un alerta, no una protesta, volcar en este acento, “No toquen a mi madre”, como sentimos a la tierra de la  Patagonia.  Esa roca, ese mar, ese cielo, esa ruta 3.  Para mi inspiración ella es toda una, especialmente la provincia de Santa Cruz, que conozco palmo a palmo.  De pronto puedo estar en la costa de San Julián, en Gobernador Gregores,  Perito Moreno o en Los antiguos, pueblos arrinconados contra la cordillera.  Formo parte del paisaje porque así me lo he propuesto, tutearme con él para poder contarlo.

-Vos te adelantaste cuando compusiste a “Salven a Gastre”

-Exacto.”Salven a Gastre” fue hecho mucho antes de que pasara.  Hay que prestar atención a la Patagonia. Hace  22 años yo ya hablaba en una canción que se llama “Huawais”: Donde comienza el dolor / del cielo continental  / mi tierra azul pega el grito  / a los que deben  pensar. Es decir que trato de ir adelantándome en el tiempo y eso me permite decir “Aquí no termina el país”, y “Esta tierra es mía”.

-¿Cuándo vas a llevar a un libro todas las experiencias?

-Seguramente a la vejez, estoy tranquilo porque guardo todas mis recopilaciones, algún día haré un ensayo  sobre el tema musical de la patagonia, creo que estoy en condiciones morales  y profesionales de hacerlo.  Todo lo recogido es testimonio fiel de cada cosa, especialmente las charlas que he alcanzado a tener con tehuelches, a otros los he podido acompañar en su funeral.

-¿Todas esas cosas te hacen sentir que los patagónicos son relegados?

-Yo no me siento relegado, pero quiero demostrar al resto del país que realmente somos parte integrante de Argentina, es decir que no solo somos noticia porque explotó un volcán, quieren poner un basurero nuclear en Gastre, por los Hielos continentales, por los pingüinos empetrolados, por la guerra de Malvinas, o por el hantavirus. Aunque en realidad estamos acostumbrados a vivir con virus peores que este, el virus del olvido que destroza a las personas, porque por ese olvido se accede a la miseria donde se producen las mayores enfermedades físicas y mentales.  Todo esto trae entre otros riesgos el de perder la memoria como pueblo. Quiero dejarte un mensaje para la gente que piensa que la juventud  está renovando el folklore, para mí ella en realidad renueva con su espíritu, su aliento, su modalidad, pero cuantas juventudes se fueron gastando para que algunos puedan cantar hoy, 10 o 15 juventudes de autores y poetas.  Esos que hoy los jóvenes cantan la mayoría son temas viejos, sin pecar de soberbio el único cambio  que se produjo en la música argentina viene desde el sur, de nuestra Patagonia.

                                                                                 Senda folclórica

                                                                             Carlos y Graciela Arancibia    

http://www.folkloretradiciones.com.ar/articulos/hugo_gimenez.htm

http://www.hugogimenezaguero.com.ar/


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Para tí…..

Tu languidez o yo,
tu ancho ventanal,
el aire de tu piel,
tu sombra al caminar.No hay otra solución,
mi mundo anciano está
y ya mis manos son
de duro pedernal.Podré entonces vivir,
podré entonces llorar,
pero no acariciar
la verdad de tu abrazo.
Ay de mí.Podré entonces cantar,
podré entonces reír,
pero no detener mi razón
que en pedazos va por ti.Sobre toda tu piel
quiero hacer el amor,
en tu lecho de piel
quiero echar mi rincón.No quiero el despertar
de abrir un puño y ver
que en la palma quedó
sólo sal,  solo sal.

Para subir al cielo.
si te hace falta un ángel,
si te hace falta un ángel
para subir al cielo
para ir al quinto infierno,
si precisas un diablo,
si precisas un diablo
para ir al quinto infierno,
que te convierta en fuego
si te hace falta un mago,
si te hace falta un mago
que te convierta en fuego
de todo el universo
si precisas un guía
de todo el universo

Ese soy yo, ese soy yo…

ese soy yo, ese soy yo…

Hay cosas que escribo en la cama
Hay cosas que escribo en el aire
Hay cosas que siento tan mías…. Que no son de nadie
Hay cosas que escribo contigo
Hay cosas que sin ti no valen
Hay cosas y cosas…
Que acaban llegando tan tarde..

Hay cosas que se lleva el tiempo
Sabe dios a donde
Hay cosas que siguen ancladas
Cuando el tiempo corre
Hay cosas que están en m i alma
Y quedaran conmigo cuando me haya ido…
Y en todas acabo sabiendo cuanto me has querido

NO ME OLVIDES

El tiempo de alejarme me lastima una vez mas,
abrazame un rato
que no quiero enterarme que esta noche va a pasar
quiero hacer un pacto.

Seguro vos encuentres quien te quiera de verdad,
pero no me olvides.
Yo voy a estar muy lejos,te lo pido por piedad,
no me olvides.

Si cada despedida es una roca sobre el mar,
en este corazón hay muchas piedras.
No voy a arrepentirme de decirte la verdad
cambiaste con tu amor mi vida entera.

El tiempo de alejarme me lastima una vez mas,
abrazame un rato
que no quiero enterarme que esta noche va a pasar
quiero hacer un pacto.

Seguro vos encuentres quien te quiera de verdad
porque vos sos libre
yo voy a estar pensando en volver,en regresar
no me olvides.

Maldita sea la duda y la costumbre de pensar
que no se puede amar de esta manera.
Yo vivo en la distancia pero puedo regresar
y amarte cada noche en cada estrella

ESTAS EN MI CORAZON

San Valentín 14 de Febrero

Felíz día de SAN VALENTIN.

Regala hoy y siempre lo mejor de tí a quienes amas.

El origen del Día de los Enamorados

Tarjeta postal de San Valentín (1910) - Dominio Público
Tarjeta postal de San Valentín (1910)

Año tras año, todos los 14 de febrero, millones de personas en todo el mundo realizan una demostración de amor a su pareja celebrando la festividad de San Valentín. Sin embargo, no todos conocen el origen de esta celebración. ¿Quién fue San Valentín?, ¿por qué es el patrón de los enamorados?

El origen de San Valentín, entre la historia y la leyenda

El 14 de febrero es el onomástico de San Valentín, pero ¿quién fue este popular santo? La historia de San Valentín se remonta muchos siglos atrás y está envuelta en la bruma de la leyenda, tal es así, que hoy la Iglesia Católica pone en duda su existencia, y desde 1969 no celebra dicha festividad. Los orígenes de la tradición hay que buscarlos allá por el siglo III, cuando el cristianismo se expandía con rapidez por el Imperio romano, pese a los intentos de los dirigentes romanos de acabar con esta nueva fe, que amenazaba la estabilidad del Imperio. Es entonces cuando aparece la tradición de tres mártires romanos llamados Valentín. Unas fuentes señalan a San Valentín de Terni como el verdadero San Valentín, otras hablan de un tal Valentino que recibió martirio en África, pero quizás, la historia (o leyenda) más romántica sea la de San Valentín de Roma.

La historia de San Valentín de Roma

Según la tradición, San Valentín de Roma fue un sacerdote romano que acompañaba espiritualmente a los cristianos que habían caído presos en las persecuciones contra los practicantes de esta fe y les ayudaba a prepararse para el martirio y la muerte. Otra versión cuenta que se trataba de un sacerdote que, pese a que las autoridades romanas prohibían contraer matimonio a los jóvenes soldados, por considerar que serían mejores combatientes si no tenían ataduras familiares, se dedicaba a casar a las parejas en secreto según el rito católico. Cuando fue descubierto, Valentín fue sometido a martirio y finalmente decapitado. Una última (y poco creíble) versión cuenta que el sacerdote Valentín fue apresado y se enamoró de la hija de su carcelero, a la que dedicó una apasionada carta de amor que firmaba como “de tu Valentín”, lo que se convertiría en el origen de la tradición de enviar las cartas y postales de amor que intercambian los enamorados cada 14 de febrero.

La Iglesia Católica recoge la tradición de San Valentín

A finales del siglo V, la Iglesia Católica, recoge las leyendas sobre San Valentín e institucionaliza su conmemoración el 14 de febrero. Parece ser que fue el papa Gelasio I quien formalizó el culto al santo, en un intento de cristianizar la antiquísima celebración pagana de las lupercales, que tenía lugar a mediados de febrero. Sin embargo, la propia Iglesia desde el principio albergó dudas sobre la veracidad histórica de los hechos de San Valentín, de tal manera que incluso Gelasio I afirmaba que San Valentín era uno de aquellos santos “cuyos nombres son venerados por los hombres, pero cuyos actos sólo Dios conoce“, expresando su falta de pruebas históricas sobre este mártir. Probablemente, fue durante la Edad Media cuando se asoció el amor romántico a la figura heroica y mitológica de San Valentín, forjándose definitivamente la leyenda del patrón de los enamorados. La fábula fue creciendo y adornándose con el paso de los siglos hasta llegar a nuestros días. La festividad fue eliminada del calendario eclesiástico en 1969, en un intento de la iglesia católica de eliminar del santoral a aquellos santos de origen legendario.

San Valentín y el Día de los Enamorados

Fue durante el siglo XIX cuando, en los países anglosajones, comenzó la tradición de intercambiarse postales con mensajes amorosos en el Día de los Enamorados. Poco después, a la costumbre de las postales se sumaría la de obsequiar a la pareja con otros regalos como rosas, bombones y joyas. Ya bien entrado el siglo XX, el comercio y la publicidad recogieron la figura de San Valentín, alentaron su patronazgo sobre los que estaban tocados por las flechas de cupido o los que pretendían estarlo y lo aprovecharon para convertir el 14 de febrero en una fecha señalada en la que aumentar sus ventas. Es más, dicen las malas lenguas que en España la popularización de esta festividad del amor es debida a una conocida cadena de grandes almacenes.

14 de febrero, día para celebrar el amor

Fiesta del amor o fiesta comercial, lo cierto es que hoy en día el 14 de febrero es una fecha señalada en el calendario de millones de parejas de todo el mundo. Un día para compartir regalos (materiales o no), para cuidar especialmente del amado y, en definitiva, un día para celebrar el amor. Feliz San Valentín.


CANCIONES DE AMOR Y AMISTAD



Música del mundo

 (Trabajo realizado por rauloleono)

RECORRIDO MUSICAL POR LOS CINCO CONTINENTES.

LOS PRINCIPALES RITMOS MUSICALES DE CADA PAIS.  LOS SONIDOS QUE LO  REPRESENTAN  A NIVEL MUNDIAL.

ES INTERESANTE ESCUCHAR COMO LA MUSICA CAMBIA POCO A POCO DE OCCIDENTE A ORIENTE Y HASTA EL PACIFICO SUR.

Esta primera parte comienza desde Norteamerica pasando por todo Centroamerica hasta el Caribe y Antillas.

Continuando con la Segunda Parte de este recorrido de Occidente a Oriente, los ritmos Antillanos siguen una larga fila de islas hasta llegar a Venezuela en donde  encontramos en sus costas algunos “calypsos”.  En  Surinam y Guyana, su música es practicamente caribeña.

Despues de Venezuela, están los diferentes ritmos de los paises Suramericanos y luego Brasil que cuenta con una gran influencia Africana (como es el caso de la “capoeira” en Brasil, que es un arte marcial basado en la danza) y que nos enlaza directamente al segundo contiente: Africa.

Y aquí comenzamos con Angola (en el sur) e iremos subiendo poco a poco hasta casi llegar a los países del Norte.

NOTA:  ESTE VIDEO ESTA BLOQUEADO EN ALGUNOS PAISES.  LO PUEDEN VER DIRECTAMENTE EN YOUTUBE EN ESTE ENLACE:

http://www.youtube.com/watch?v=4fi6wmucUu8

Estos son los ritmos Africanos, los más comunes, los más populares y exóticos. El continente negro se encuentra lleno de sorpresas y misterios.

El presente video se enfoca a la música de Africa desde el sur hasta casi llegar al norte, y justamente desde estas áreas nos trasladaremos a Europa por medio de un país que es el perfecto enlace al Viejo Continente,  “Cabo Verde” (que alguna vez fue una colonia de los Portugueses).


Cabo Verde fue  una colonia de Portugal y los ritmos son muy parecidos, es decir, la “Morna” de las islas contra el “Fado” de los Lusitanos.

La “Morna” es un género que se ha internacionalizado mucho en las últimas décadas.

Ahora ya estando en el Occidente de Europa se irá recorriendo país por país hasta acercarnos a los paises Nórdicos, y Dinamarca es el primero de ellos.


Al entrar a los paises de Europa Oriental (como con Serbia, Grecia, Albania, etc) estamos ya escuchando las primeras influencias musicales del cercano Oriente. Poco a poco nos iremos internando en ese misterioso  mundo de ritmos que tiene Asia.


Este video inicia con una breve muestra de la Música Folklórica de lo que alguna vez fue Serbia y Montenegro.

La  música Europea empieza a dar señales de “ORIENTALIZACION”, empezando justamente por la divertida música Balcánica.


En este video nos ubicamos en los paises con mayor presencia Arabe en Asia, es además importante acercar a las naciones del Norte de Africa porque también en ellos hay influencia musulmana.

El folclor Arabe está lleno de misterio y de muy buenos ritmos, con algunas pocas excepciones.


Las regiones más lejanas del oriente (en el continente asiático)


Ritmos de las islas más lejanas del Pacífico Sur (Tahití y Hawai)


Un reconocimiento a  rauloleono

a quien encontré por casualidad en Youtube.  El trabajo sobre  música que ha hecho es admirable.

Marta Gómez

Graduada con honores de la prestigiosa Berklee College of Music luego de recibir la beca “Best Achievement”, la canta-autora colombiana Marta Gómez, ha desarollado una carrera artística que la posiciona como una de las compositoras e intérpretes más destacadas de la actual escena musical internacional. Marta Fué nominada en el 2005 a los premios Billboard de la música latina en la categoría Jazz Latino junto a Paco De Lucía, Gonzalo Rubalcaba y Néstor Torres y ha sido calificada por la prensa como una cantante con una “voz exquisita”. El diario “Los Angeles Times” la describió recientemente como “un talento excepcional con una voz sublime”.

Marta Gómez empezó su carrera musical a la edad de 4 años cantando en el coro del Liceo Benalcázar, en la ciudad de Cali, Colombia. En el verano de 1999 Marta viajó a Boston para ingresar a Berklee donde más tarde recibió el premio de composición Alex Ulanowsky por su bambuco “Confesión” antes de graudarse Magna cum laude en el 2002.

En el año 2003, Marta fué escogida por la famosa cantante de blues norteamericana Bonnie Raitt para abrir su concierto al lado del joven ganador del Grammy, John Mayer y más tarde Marta fué la invitada especial en el concierto de la gran cantora argentina Mercedes Sosa.

A principios del 2004, la joven canta-autora fue incluída por el sello Putumayo World Music en su recopilación de cantantes femeninas latinoamericanas, donde aparecen también cantantes de la talla de la peruana Susana Baca, Totó la Momposina y Tania Libertad entre otras.

Siendo la composición su centro de enfoque y con más de 70 canciones compuestas, Marta ha ganado muchos concursos en este campo, el más prestigioso es el The SIBL Project, de EE.UU., que escogió su canción “Paula Ausente” como la mejor canción inspirada por un escritor latinoamericano. Paula Ausente es una canción dedicada a la escritora chilena Isabel Allende y Marta tuvo la opotunidad de cantarsela a Allende en Noviembre del 2004, en California. Esta misma canción fue incluída en otro album de Putumayo llamado “mujeres del mundo acústico” (2007) y hace parte de la banda sonora de la serie “Capadocia” producida por HBO LatinoAmerica.

Marta fué escogida por la revista Colombiana Fucsia como una de las cinco Colombianas más representativas del año 2005. Más adeante, Marta grabó una canción llamada “The circle” (El círculo) compuesta por el canta-autor Norteamericano “Kris Kristofferson” dedicada a los desaparecidos en Argentina. Marta “llevó la canción a un nivel muy alto, a donde realmente pertenece” según las palabras del mismo Kristofferson. El escritor John Sandford, hizo referencia a esta interpretación en su más reciente novela “Dark of the moon” (la oscuridad de la luna).

Su producción “Entre Cada Palabra” (2005 chesky records) la hizo merecedora del título a “Mejor Acto Nacional de World- Music” del año 2006 por el diario Boston Phoenix. En una entrevista realizada por la Radio Pública Nacional de los Estados Unidos, el periodista Steve Inskeep dijo que admiraba la capacidad de la cantante de “convertir la dura historia de su país en música dulce”. Su más reciente producción “Musiquita” hizo entrar a Marta una vez más en la lista de los diez mejores discos del género “World Music” de los European World Music Charts por varias semanas consecutivas.

Actualmente, Marta se encuentra promocionando este trabajo ofreciendo conciertos en países tan diversos como Estados Unidos, Paises Bajos, España, Suecia, Suiza y en Israel , donde también colabora frecuentemente con el ícono de la música de ese país, Idan Raichel..

Marta se nutre de lo cotidiano, y de esa nostalgia surgen canciones con un profundo contenido social y humano.

VIRUS – Rock Argentina

FEDERICO MOURA INTERPRETANDO RUMBOS SECRETOS, TEMA MUY PERSONAL YA QUE LA LETRA Y MÚSICA FUERON DE SU AUTORÍA Y RELATA SU MANERA DE INTERNARSE EN LO MAS PROFUNDO DE SU MENTE PARA A TRAVÉS DE SU ALMA EXPLORAR RUMBOS SECRETOS Y ASI TRATAR DE CONSEGUIR CALMA Y TRANQUILIDAD ANTE LO ADVERSO DE SU PRESENTE. AQUÍ VIRUS LO INTERPRETA EN OCASIÓN DE LA PRESENTACIÓN DEL SÉPTIMO DISCO QUE TENÍA COMO POSIBLES NOMBRES EL DE ESTE TEMA O “LA COMEZÓN DEL SÉPTIMO AÑO” O “YOGA” FINALMENTE SE LLAMÓ “SUPERFICIES DE PLACER”.ESTE CONCIERTO SE REALIZÓ EN EL ESTADIO OBRAS SANITARIAS LOS DÍAS VIERNES 20 Y SÁBADO 21 DE NOVIEMBRE DE 1987 A SALA LLENA

VIRUS

Ariel Naón: bajo
Daniel Sbarra: guitarras y coros
Fernando Monteleone: teclados
Julio Moura: guitarras y coros
Lulo Isod: batería
Marcelo Moura: voz
Ex integrantes
Enrique Mugetti: bajo
Federico Moura: voz
Mario Serra: batería
Ricardo Serra: guitarra
Roberto Jacoby: letrista

Virus es la máxima expresión de la modernidad en el rock argentino. Esta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Sobre el escenario se ponía en funcionamiento un juego de seducción que atraía o alejaba, sin término medio. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan, de Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» (Eduardo Berti en Riera / Sánchez, pág 11/12).

Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban “Duro” y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.

Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: “a ver si levantan esos culos y bailan un poquito”. Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.

“Wadu-Wadu” (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2’30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y “serios”, fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar…», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letars son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).

“Soy moderno, no fumo” y “Wadu wadu” fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía “9PM” por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.

En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.

La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo» (D.Riera / F.Sánchez, pág 70).

Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba “Entra en movimiento”. Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema “Todo este tiempo perdido”.

Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly, Spinetta, Gieco, Porchetto, Litto Nebbia… A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema “El banquete”, que incluyeron en “Recrudece” (1982), el segundo disco.

“Agujero Interior” fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Ese año Los Twist lograron editar su primer trabajo, “La dicha en movimiento” que, en parte, compartía la ironía de los Virus, aunque en un estilo pop-rock más “divertido”. Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.

Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar “avergonzados y escandalizados” por estos músicos. «La situación me parece muy buena – comenta Federico – Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (…) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza» (G.Guerrero, pág 57).

A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias internas: «Jacoby escribía letras y cobraba una fortuna de guita cada seis meses, mientras que nosotros no cobrábamos un mango. Un grupo no puede funcionar jamás así. (…) Lo que hizo Roberto yo no lo haría ni mamado: cobrar, por ejemplo, 25.000 dólares y no tener un gesto, son cosas medio bravas… Nosotros cobrábamos por los shows y por el Sindicato de Músicos, pero yo de Sadaic nunca cobré nada.» (D.Riera / F.Sanchez, pág 108). Su reemplazante fue Daniel Sbarra.

En un estilo pop más tecno, grabaron el siguiente trabajo, “Relax” (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los Midis para utilizar bases secuenciadas. “Desesperado secuencia uno”, “Me puedo programar” y “Amor descartable” son los ejemplos más salientes.

“Locura” (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido “Relax”, con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. “Una luna de miel en la mano” es un homenaje a la masturbación; “Sin disfraz” trata sobre un taxi-boy; “Pronta entrega” es una valorización de las relaciones sexuales…

Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba “En Vivo” en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de “muy profesionales, pero un poco fríos”. Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por latinoamérica, que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).

“Superficies de placer” fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del ’87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.

«Nos shockeó, fue como una patada al hígado. – recuerda Marcelo – Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro» (D.Riera / F.Sánchez, pág 163).

A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.

“Tierra del fuego” (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: “Un amor inhabitado” y “Lanzo y escucho”. La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.

Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los ’80, musicalmente hablando. Pocos días después, la noche del 25 de diciembre, los Virus fueron invitados por Soda Stereo para homenajear a Federico, en un show que la banda de Cerati daba en La Casona, un boliche de Lanús.

«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12, 22/12/88).

La presentación oficial de “Tierra del Fuego” fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.

Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les enconrtraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.

En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por “cuestiones internas”, Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.

Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó “Nueve” y tuvo un anticipo con el tema “América fatal” y una versión dance de “Amor descartable”.

Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: “Virus es canción” (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); “Virus es pop” y “Virus es rock”. “Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento”, comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).

El 1º de junio de 2006 la banda volvió a presentarse en vivo en el Teatro Coliseo, donde registraron “Caja negra”, editado en CD y en DVD. El show tuvo como invitados a Ale Sergi (de Miranda!), Adrián Dárgelos (de Babasónicos, Pity Alvarez (de Intoxicados) y Ciro Pertusi (de Attaque 77). El primer corte difusión fue la nueva versión de “Luna de miel en la mano”.

Fueron invitados a tocar junto a otros artistas en la fiesta del Bicentenario, en un escenario montado en la Avenida 9 de Julio, en mayo de 2010. Y en noviembre celebraron los 30 años de vida, con dos shows en el Teatro ND Ateneo.

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